Explorer la couleur et la matière

Artiste plasticienne, scénographe mais aussi architecte, Amélie Lengrand multiplie les casquettes. Pour elle, pas question de se limiter à un seul médium ou un seul support. Chaque matériau est intéressant à travailler et Amélie n’a pas peur d’explorer les techniques jusqu’à mêler art et artisanat. Rencontre avec une artiste passionnée et passionnante.

crédit photographique : Victoria Tanto

Le PAON : Bonjour Amélie ! Peux-tu te présenter et nous parler de ton parcours professionnel ?

Amélie : Je m’appelle Amélie Lengrand, je suis artiste plasticienne et scénographe. J’ai toujours été sensible à l’art, pendant ma formation d’architecte, la peinture m’accompagnait en parallèle. Après mes études, j’ai travaillé en agence avant de lancer LAPS avec Sophie Paumelle. Aujourd’hui, je travaille en indépendante mais continue de collaborer avec d’autres artistes ponctuellement. Je travaille à l’aide de nombreux médiums et selon différentes techniques : dessin, collage, sculpture, scénographie, impressions, etc. 

Tu étais, au départ, architecte. Comment t’es-tu orientée vers la pratique des arts plastiques ?

À l’époque, je travaillais en agence d’architecture et à côté, je m’occupais d’organiser des résidences d’artistes au Café Chéri à Belleville. J’ai participé moi-même à une de ces résidences avec une amie, Sophie Paumelle. Nous avons aimé travaillé ensemble et s’en est suivi un projet que nous avons présenté ensemble et remporté pour une œuvre dans un complexe immobilier. C’est comme cela que tout a commencé. Avec l’atelier LAPS, on a développé une dynamique de création avec ce binôme. On travaillait sur de nombreux projets notamment pour l’évènementiel. Je me souviens notamment d’une création pour le festival We Love Green où nous avions conçu de grands animaux en bois. L’espace, la couleur et la composition ne m’ont, dès lors, plus quittée.

Tu crées des objets toujours plus grands (aux folies Barbizon, Piscine Molitor). Quels sont les enjeux derrière le fait de créer une œuvre en grand format ? 

Créer et imaginer une œuvre pour un lieu est assez spécial. On étudie l’espace en amont, son identité, et on cherche à créer une réponse au lieu ou bien à jouer avec ses attributs. Par exemple, pour la Piscine Molitor, j’ai choisi mes matériaux en fonction de son interaction avec l’eau et la lumière. J’ai aussi cherché à rappeler l’historique du lieu, autrefois un lieu de soirées animées, en rappelant les attributs d’une boule à facettes. 

Comment se déroule l’élaboration d’une œuvre ? Et d’une commande ? 

L’élaboration d’une œuvre et celle d’une commande sont deux choses bien distinctes. Lorsque je réponds à une commande, il y a un large travail de recherche en amont. J’étudie l’espace, je me renseigne sur l’identité de la marque ou du lieu, je cherche des références, je crée des moodboards, des maquettes, puis des axes en ressortent. Pour créer une œuvre plastique, je fais davantage appel à l’intuition. Il y a moins de recherche, mais la période de création est plus longue et plus étalée. C’est d’ailleurs un travail de fond : la peinture, le collage, le travail de la couleur m’accompagnent au quotidien dans ma pratique artistique. 

Je suis quelqu’un qui m’ennuie assez vite, alors je m’enrichis de nouvelles techniques, je n’ai pas peur de mélanger les savoirs-faire au cœur d’une même œuvre et d’explorer, de tâtonner, de tester de nouvelles choses. 

Quel est l’avantage pour toi de créer sa matière première ? 

Créer sa matière première a plusieurs avantages. Tout d’abord, c’est une économie de moyens : on fait avec ce que l’on a et on n’a pas besoin d’aller racheter du matériel. De plus, cela permet d’apprendre à connaître et apprivoiser la couleur. La liberté de créer son propre médium renforce la curiosité et active le processus créatif. C’est la première étape de la création d’une œuvre. 

Comment décrirais-tu ton univers ? 

Mon univers s’inspire beaucoup des rêves. Je dirais qu’il est onirique, poétique, doux, et positif. J’essaie d’y ajouter du mouvement et de l’élan. Dans mes œuvres, on trouve des paysages, des décors, des symboles, des notions de perspectives et de jeu. J’aime travailler avec l’espace et la transformation. Les couleurs donnent le ton et déterminent l’ambiance de ma création. Il peut m’arriver de créer des œuvres figuratives inspirées des rêves, mais j’explore surtout l’abstrait. 

Où puises-tu ton inspiration ? 

Inspirée par le rêve et son langage, mes réalisations révèlent des paysages jouant sur plusieurs niveaux de lecture et à plusieurs échelles. 

À travers la réalisation de paysages peints, composés comme les séquences d‘un récit en mouvement, je compose la scène d’un rêve en couleur. 

Les notions de découpage, de passage d‘un état à un autre, participent à la traduction d’émotions simultanées entre le rêve et la réalité. 

Sur quels projets travailles-tu en ce moment ?

En ce moment, je travaille comme scénographe pour Playtime, un salon de mode pour enfants à Paris, New-York et Shanghaï. Je travaille  également en collaboration avec Sophie Paumelle et l’atelier Malak sur un dispositif scénographique  pour une marque française de montres. 

En parallèle, je produis mes peintures et développe d’autres projets comme, par exemple, une cotte de maille en bois.

As-tu un conseil à donner aux élèves du PAON ?

La création commence par un moment d’amusement et de rêve. il faut s’accrocher, apprendre la patience et laisser le temps faire. Le début n’est jamais simple, mais c’est en  persistant que les choses finissent par prendre. 

Tu animes un cycle de cours au PAON, Composer une œuvre abstraite à partir de motifs colorés . Que va-t-on pouvoir découvrir avec toi ? 

Dans ce cycle de cours, on va découvrir différentes étapes de création, qu’en partant de pas grand chose on peut s’amuser tout en obtenant des résultats impressionnants. Je vous montrerai aussi qu’il n’y a pas besoin de talent pour suivre ses idées, créer sa matière et jouer avec. 

Retrouvez le cycle de cours d’Amélie, Composer une œuvre abstraite à partir de motifs colorés sur notre site !